Année : 2023

Oumar Katta Diallo (1946-2018) fait partie des premières générations d’artistes sénégalais formées à l’Ecole des Arts du Sénégal. Il y suivit les enseignements classiques du maître Iba Ndiaye de 1960 à 1967 avant de se retrouver dans les ateliers libres de Pierre Lods qui va assurer son mentorat.

Oumar Katta Diallo sera temporairement enseignant d’art plastique avant de se consacrer à sa carrière avec une première exposition en 1969. Il exposera par la suite en Afrique, en Europe et aux Etats-Unis. Diallo figure dans plusieurs collections publiques et privées avec sa signature singulière malgré la diversité de ses approches stylistiques. Cette rétrospective présentera une quarantaine de ses toiles et cartons.

Oumar Katta Diallo (1946-2018) is part of the first generations of Senegalese artists trained at the Senegal School of Arts, where he studied the classical teachings of master Iba Ndiaye from 1960 to 1967 before attending the free workshops of Pierre Lods, who became his mentor.

Oumar Katta Diallo taught plastic arts before devoting himself to his career with a first exhibition in 1969. He will subsequently exhibit in Africa, Europe, and the United States. Diallo appears in several public and private collections with his singular signature, despite the diversity of his stylistic approaches. This retrospective will present around forty of his paintings and cards.

L’Atelier Céramiques Almadies héberge le second volet de l’exposition « Petroni 40 » présenté par l’institut Italien de Dakar. Lieu de fondement au Sénégal des activités en céramique de Mauro Petroni, espace de création et de rencontres, c’est aussi un creuset de cultures où un savoir-faire artisanal rencontre l’art contemporain. Célébrant en 2023 ses quarante ans d’existence et pour prolonger cette rétrospective, l’Atelier exposera une série de rééditions actuelles de plusieurs pièces iconiques produites entre 1990 et 2010.

En parcourant l’histoire des expositions qui y ont eu lieu, soulignant l’importance de son activité dans le contexte des arts plastiques au Sénégal, cette revisitation permettra, en faisant appel à notre collection, de présenter les contributions en céramique d’autres artistes comme Soly Cissé, Cheikh Diouf, Beppe Caturegli, Souleymane Keita, Matthias Pfeiffer ou Amadou Sow. C’est l’occasion de célébrer le souvenir des nombreux amis qui ont connu les tôles ondulées de l’Atelier Céramiques Almadies…

Atelier Céramiques Almadies is hosting the second part of the “Petroni 40” exhibition presented by the Italian Institute of Dakar. It is the foundation for Mauro Petroni’s ceramic activities in Senegal, a space for creation and meetings, and a melting pot of cultures where artisanal know how meets contemporary art. Celebrating its forty years of existence in 2023 and extending this retrospective, Atelier Céramiques Almadies will exhibit a series of current reissues of several iconic pieces produced between 1990 and 2010.

By exploring the history of the exhibitions that took place in the Atelier, highlighting the importance of its activity in the plastic arts world of Senegal, the revisitation will allow, using our collection, to present the ceramic contributions of other artists like Soly Cissé, Cheikh Diouf, Beppe Caturegli, Souleymane Keita, Matthias Pfeiffer and Amadou Sow. It is an opportunity to celebrate the memory of the many friends who worked under the corrugated roof of the Almadies Ceramics Workshop…

L’exposition « Inspire & Embarque » a été conçue pour le Festival Santé Environnement NOYYINDOO de Sebikotane. Par ses 19 posters, sa fresque narrative et ses multiples pastilles sonores, elle témoigne de l’incroyable synergie qui s’est engagée entre chercheurs, habitants et artistes sur un territoire situé sur le front d’urbanisation de Dakar autour du projet de sciences participatives AirGeo.

Elle expose les résultats des enquêtes scientifiques qui éclairent les différentes natures de cette zone d’étude. Elle fait entendre la voix des habitants pris dans les mutations de leur terrain de vie. Elle raconte les alliances qui se sont créées, entre des chercheurs, des habitants et des arbres pour commencer à envisager des perspectives pour bien respirer et bien-vivre à Sebikotane.

https://airgeo.hypotheses.org/

The “Inspire & Embark” exhibition was designed for the NOYYINDOO Environmental Health Festival in Sebikotane. Through its 19 posters, its narrative fresco and its multiple sound clips, it illustrates the incredible synergy that has taken place between researchers, residents, and artists in an area located on the urbanization front of Dakar, around the participatory science project AirGeo.

The exhibition presents the results of scientific investigations which shed light on the different natures of the area of study. It is the voice of residents caught up in the changes in their environment. The exhibition recounts the alliances formed between researchers, residents, and trees to begin to consider new perspectives for breathing and living well in Sebikotane.

https://airgeo.hypotheses.org/

Guillaume Bassinet et Sébastien Bouchard se retrouvent à l’Espace Agora autour du thème du portrait. L’un est photographe qui arpente les rues de Dakar et révèle en studio, l’autre peintre qui façonne en atelier et restitue ses recherches dans l’espace public. A leur manière ils essayent de rendre les absents présents, de rendre l’invisible visible et de fixer le temps. Le résultat de cette exposition : un dialogue improbable de toiles hybrides et de photos de scènes de vie.

Guillaume Bassinet and Sébastien Bouchard join up at Espace Agora around portraiture. One is a photographer who rambles through the streets of Dakar and exhibits in a studio, the other is a painter who shapes his works in a workshop and displays his research in public spaces. In their own way, they try to make the absent present, to make the invisible visible, and to fix time. The result is a unique dialogue between hybrid canvases and photos of real life.

Fatim Soumaré, chercheuse sur le coton dans le Sine Saloum et Yafane, cultivateur à Mballing, Mbour. Fil de fer, coton pluvial biologique, fibres de palmier rônier, matériaux récupérés (plastique, couverture de survie, chutes de tissus synthétiques…).

« Les deux artistes nous accompagnent dans un voyage créatif : leurs inventions, installées dans l’espace du centre, explorent des voies différentes. Mais tous les deux partent de leur vie intime, et, par un vécu partagé dans des échanges terrestres, ils vont nous introduire dans leur monde. Ils ont eux-mêmes aménagé un chemin pour qu’on arrive ensemble au même point d’épanouissement et de satisfaction. »

(Mauro Petroni, coordinateur de l’exposition)

« Forum sur le Bien-être Dakar-Thiès » / Tostan

A la suite du premier Forum Mondial du Bien-être pour le Changement Social qui s’est tenu à Bilbao en 2022, Tostan organise un forum régional qui donnera l’opportunité d’échanger sur des thèmes innovants qui touchent le bienêtre individuel, collectif, sociétal et planétaire dans une perspective africaine. Dans la multitude d’expériences artistiques qui explorent les concepts fondamentaux du bien-être et qui vont accompagner le Forum, Tostan et la Fondation Sococim ont programmé une exposition à Rufisque qui a été pensée et organisée pour l’espace du CCMG, réaménagé à l’occasion…

Fatim Soumaré is a cotton researcher in Sine Saloum and Yafane, and a farmer in Mballing, Mbour. They work with wire, organic rain-fed cotton, palm tree fibers, and salvaged materials (plastic, survival blankets, synthetic fabric scraps, etc.). “The two artists accompany us on a creative journey: their inventions, installed in the Center’s space, explore different paths.

But they both start from their private lives, and, through a shared experience in earthly exchanges, they introduce us into their world. They have created their own path, guiding us to the same point of fulfillment and satisfaction.”

(Mauro Petroni, exhibition coordinator)

“Dakar-Thiès Wellbeing Summit”/ Tostan

After the first Global Wellbeing Summit for Social Change, held in Bilbao in 2022, Tostan is organizing a regional forum which will provide the opportunity to discuss innovative themes that affect individual, collective, societal, and planetary well-being from an African perspective. Amidst the multitude of artistic experiences which explore the fundamental concepts of well-being and which will accompany the Summit, Tostan and the Sococim Foundation have programmed an exhibition in Rufisque, designed and organized for the CCMG space, redesigned for the occasion.

Pour son entrée dans le Partcours la GNA présente le travail d’El Hadji Samba Diedhiou, plus connu sous le nom de Baba Diedhiou. À travers un regard personnel et une sensibilité aiguisée, Baba nous transporte dans un univers où la photographie transcende son essence traditionnelle pour devenir une expérience sensorielle et émotionnelle. Au cœur de cette exposition se trouve le digital painting, une fusion de photographie, de peinture et de technologie numérique. Ces œuvres, fruit de deux années d’observations minutieuses, sont bien plus que des photographies. Elles sont des fenêtres ouvertes sur une diversité, dévoilant les racines enfouies de la culture sénégalaise.

« Réflexions Intimes » est un voyage introspectif qui nous invite à explorer notre propre compréhension de notre diversité culturelle. En embrassant cette expérience, nous sommes transportés dans un monde où l’art devient un langage universel, transcendant les frontières et célébrant la diversité de l’expérience humaine.

For its introduction into Partcours, the GNA presents the works of El Hadji Samba Diedhiou, better known as Baba Diedhiou. Through a personal look and keen sensitivity, Baba transports us into a universe where photography transcends its traditional essence to become a sensory and emotional experience. Digital painting, a fusion between photography, painting, and digital technology, is at the heart of the exhibition. These works, the product of two years of careful observations, are much more than photographs. They are windows open to diversity, revealing the buried roots of Senegalese culture.

“Intimate Reflections” is an introspective journey that invites us to explore our own understanding of our cultural diversity. By embracing the experience, we are transported to a world where art becomes a universal language, transcending boundaries and celebrating the diversity of the human experience.

L’élévation, le jaillissement, la tentation du monumental, suscitent une euphorie que la possibilité de chute ne peut réfréner. Dans ce circuit aux accents de réalisme magique, chaque artiste puise autant dans les savoir-faire artisanaux, l’imagerie populaire, que dans des contes issus de récits collectifs, ou encore d’histoires personnelles provenant d’un entrecroisement de géographies plurielles.

Tel un jardin à labourer, elles tracent, creusent, font murir et grandir des œuvres qui existent à l’intersection de l’intime, du quotidien, du domestique mais aussi du surnaturel, de l’onirique, et de l’érotisme. « Vertigineuses » déploie des paysages étourdissants bâtis de leurs mains. Shahrzad Changalvaee, Melinda Fourn,

Naomi Lulendo, Attandi Trawalley et Nelly Zagury dévoilent à Selebe Yoon pour la première fois, des œuvres qui transposent rêves et visions à leur véritable échelle.

Exposition conçue en co-commissariat par Jennifer Houdrouge & Clara Darrason.

Elevation, surge, and temptation for the monumental bring out a euphoria that even the possibility of falling cannot suppress. In this magically realistic journey, each artist draws as much on artisanal know-how and popular imagery as on tales from collective stories, or even personal stories, from an weaving of plural geographies.

Like a garden needing to be tended, they trace, dig out, mature and grow works that exist at the intersection between the intimate, everyday life, domestic life, as well as the supernatural, the dream world, and the erotic. “Vertiginous” displays the stunning landscapes they have created.

For the first time at Selebe Yoon, Shahrzad Changalvaee, Melinda Fourn, Naomi Lulendo, Attandi Trawalley and Nelly Zagury unveil works that transpose dreams and visions to their true scale.

Exhibition co-curated by Jennifer Houdrouge & Clara Darrason.

S’inspirant du kintsugi japonais, art de réparer les objets brisés à l’aide d’un fil d’or, cette exposition célèbre un cessez-le- feu, un retour au calme et une renaissance exultante. KAREOBA répare symboliquement ses blessures par un langage plastique sensible et chantant, artisan de sa puissante renaissance, après un tremblement de terre personnel.

Les grains, plis du bois creusé et découpé parlent de ses aspérités, les courbes exagérées des représentations du corps sont autant de symboles des inflammations, irritations des membres, des muscles, des os, qui faisaient mal puis de ceux qui reprenaient vie ; finalement ce sera le sang à nouveau palpitant et l’ivresse de la chair reconquise. Ses œuvres de métamorphose traduisent une fragilité triomphante avec une énergie communicative exaltante ; « … je veux être artisan-sorcier pour créer de l’harmonie avec ce qui est cassé après le tremblement de terre, et montrer nos cicatrices d’or ».

Inspired by Japanese kintsugi, the art of repairing broken objects using a gold thread, this exhibition celebrates a ceasefire, a calming of the situation, and an joyous rebirth. KAREOBA symbolically heals his wounds through sensitive and melodious plastic arts, as the architect of his powerful rebirth after a personal tragedy.

The grains are plies from the hollowed out and trimmed wood pieces and demonstrate its roughness. The exaggerated curves with which he represents the human body are symbols of the inflammations and the limb, muscle, and bone irritations that have brought on pain, as well as symbols of the body coming back to life, making blood pulsate again and bringing out the exhilaration that accompanies the restauration of flesh. His transformational works convey triumphant fragility and an exhilarating communicative energy. “…I want to be an artisan-sorcerer, to create harmony with what has been shattered after an earthquake, and to show our golden scars”.

Dans l’éclatant écosystème artistique d’aujourd’hui, l’exposition de Laye Ndiaye et de ses collègues artistes est un testament à la vitalité de l’expression créative en Afrique. Inspirés par les mots empreints de sagesse d’Amadou Hampate Ba, ces artistes sont les jardiniers de l’âme, élaguant les préjugés pour greffer des idées novatrices. Les œuvres, façonnées à partir de matériaux naturels et de déchets, racontent une histoire d’évolution et de réinvention.

Elles incarnent la jeunesse africaine qui s’affirme, exigeant un dialogue avec son environnement. Cette exposition, tissée de liens entre artistes, rappelle que, tout comme nous sommes connectés les uns aux autres, notre existence est enracinée dans la biodiversité. Chaque pièce exposée est un écho de cette interconnexion, un appel à élaguer les branches mortes de l’ignorance et à cultiver un avenir où l’art, l’humanité et la nature prospèrent en harmonie.

In today’s vibrant artistic ecosystem, the exhibition by Laye Ndiaye and his fellow artists is a testament to the vitality of creative expression in Africa. Inspired by the wise words of Amadou Hampate Ba, the artists are gardeners of the soul, trimming out biases to graft innovative ideas. The works, fashioned from natural materials and waste, tells the story of evolution and reinvention.

They embody African youth who assert themselves, demanding a dialogue with their environment. This exhibition, woven from links between artists, reminds us that, just as we are connected to each other, our existence is rooted in biodiversity. Each piece is an echo of this interconnectedness, a call to trim out the dead branches of ignorance and cultivate a future where art, humanity, and nature thrive in harmony.

Au cœur d’un monde agité et frénétique, Obou nous convie à faire une pause, à plonger dans son univers de rencontres et de jeux de couleurs. Le piquenique, bien plus qu’un simple repas en plein air, incarne un moment de décélération, de sérénité et de plaisir. Il offre cette précieuse évasion du quotidien, une connexion apaisante avec la nature. Il devient le lieu de rassemblement par excellence, où nous retrouvons nos proches pour célébrer la vie ensemble.

Cette signification profonde du pique-nique trouve un écho vibrant dans l’art d’Obou. Ses œuvres se dévoilent comme un patchwork multicolore qui se déploie devant nous, nous entraînant dans un univers chatoyant empli de rencontres fascinantes. Chaque coup de pinceau raconte une histoire, chaque tableau réveille des émotions. Préparez-vous à embarquer pour un voyage à travers ses tableaux, où hommes et femmes masqués vous transporteront à travers différents lieux et époques.

Obou invites us to take a break from a hectic and maniacal world, to immerse ourselves in his world, filled with encounters and playful colors. The picnic becomes much more than a simple meal eaten outdoors, it embodies a moment of deceleration, serenity, and pleasure. It offers a precious escape from everyday life, a calming connection with nature. It becomes the ultimate gathering place, where we meet up with our loved ones and celebrate life.

The deeper meaning of the picnic resonates in Obou’s art. His works reveal themselves like a multicolored patchwork that unfolds before us, taking us into a shimmering universe full of fascinating encounters. Each brushstroke tells a story, each painting awakens emotions. Prepare to embark on a journey through his paintings, where masked men and women will transport you through different places and times.