L’exposition est structurée en deux sections dont l’une est posée dans l’antre de « Espace-Médina » et l’autre, dans l’espace de l’ancien dancing, ex-Penc–mi. Elle offre aux artistes locaux et internationaux un cadre de « Nadjé » (rencontre) et propose une exploration immersive d’un dialogue multifacette, mettant en lumière la façon dont les œuvres d’art des exposants d’horizons divers, transcendent les simples représentations singulières pour devenir que des transmetteurs de beautés, d’émotions, de symboles, de sentiments de valeurs. Suivie d’animation culturelle de portée ludique et éducative, cette exposition invite le public à plonger dans des univers riches et variés où chaque pièce se transforme en un point de rencontre et d’échange. A cet effet, un partenariat avec plusieurs acteurs dont, Mr Modou Gueye de l’Association Sunugal/Italie, a été scellée en vue de garantir les succès attendus.
The exhibition is divided in two, the first part is set up in Espace Medina and the other in the former dance hall Penc-mi. It offers a « Nadjé » (encounter) to local and international artists and presents the immersive exploration of a multifaceted dialogue, highlighting the way in which the works of art of exhibitors from diverse backgrounds transcend simple singular representations to become conveyers of beauty, emotions, symbols, and values. The exhibition is followed by recreational and educational cultural animations and invites the public to dive into rich and varied universes, each part becoming a meeting and exchange point. A partnership with several actors, including Mr. Modou Gueye of the Sunugal/Italy Association, has been sealed to guarantee the exhibition’s anticipated success.
En Afrique de l’Ouest, la question de la transformation des matières premières revêt un caractère d’urgence, car elle est reliée d’une part à la disparition des savoir faire et d’autre part à l’augmentation de la pauvreté. Ce grand paradoxe nous conduit à la perte de la beauté dans l’environnement quotidien ainsi qu’à la disparition de connaissances traditionnelles uniques, artistiques. L’Animisme permet d’insuffler une âme aux objets, il a comme vecteur de transmission la main, l’outil. Ceux-ci guident sûrement et sans appréhension l’esprit vers une osmose avec la matière, ce que l’on entend par Art.
In West Africa, transforming raw materials has become an urgent problem because it is connected to the disappearance of know-how as well as to the increase in poverty. This great paradox leads to loss of beauty in daily environments and to the disappearance of unique and artistic traditional knowledge. Animism allows us to breathe souls into objects and has the hand and the tool as means for transmission. They assuredly and without apprehension guide the spirit towards an osmosis with matter, which constitutes Art.
Né en 1956 à Dakar, Seyni Gadiaga est diplômé de l’ex-École Normale Supérieure d’Éducation Artistique (ENSEA). Ses résultats lui valent d’être retenu pour un troisième cycle à Nancy (1983) et Nice (1984) en France pour des études approfondies en arts visuels, design et histoire de l’art. Il obtient le prix du Bicentenaire de la Révolution française en 1989. En 1992, il participe à l’exposition internationale de Séville et en 1996 fait partie de la sélection officielle de la Biennale de Dakar.
Ses œuvres sont visibles dans les collections de la Banque Mondiale, de l’état du Sénégal, de la BCEAO, du Musée d’Art contemporain de Charleroi en Belgique, de Al Adwany Gallery au Koweït, et la Collection Eiffage Sénégal ou de la Fondation Assilah au Maroc. Peintre de l’abstrait, il est reconnu pour ses mélanges dans une subtile vibrance d’ocres, de violets, d’oranges, bruns, bleus ou rouges. Il est aujourd’hui le Directeur des études et des stages de l’École Nationale des Arts de Dakar (ENA).
Born in 1956 in Dakar, Seyni Gadiaga graduated from the former Higher Normal School of Artistic Education (ENSEA). He was then selected for a third cycle for advanced studies in visual arts, design, and art history in Nancy in 1983 and in Nice, France in 1984. He won the Bicentennial Prize of the French Revolution in 1989. In 1992, he participated in the Seville international exhibition and was part of the official selection of the Dakar Biennale in 1996.
His work can be seen in the collections of the World Bank, the State of Senegal, the BCEAO, the Museum of Contemporary Art of Charleroi in Belgium, the Al Adwany Gallery in Kuwait, and the Eiffage Senegal Collection or the Assilah Foundation in Morocco. Seyni Gadiaga is an abstract painter known for his subtlety vibrant blend of ochres, purples, oranges, browns, blues and reds. He is currently the Director of Studies and Internships at the National School of Arts in Dakar (ENA).
Premier non-afro-américain intronisé “Chief Scout” au sein de la communauté légendaire “Yellow Pocahontas Hunters Tribe” à la Nouvelle-Orléans (2023), l’artiste pluridisciplinaire Smaïl Kanouté (France/Mali) poursuit ses travaux de recherche sur la culture des Black Indians. Née il y a 150 ans de la rencontre entre les amérindiens et les esclaves africains, interdite un temps de défiler pendant le mardi-gras de la Nouvelle Orléans, cette culture se bat depuis pour perdurer.
Dans ses performances, à travers la musique et la chorégraphie, Smaïl Kanouté plonge dans leurs rites et chants, leur cérémonial du costume, la langue cajun de la Louisiane, toute une identité créole. Pour deux performances au LOFT DAKAR, il invite le créateur d’univers sonores Ibaaku (Sénégal) pour une collaboration mêlant l’héritage des Black Indians aux traditions africaines, s’inspirant des masques traditionnels de la Casamance et des sonorités d’Ibaaku, lui-même originaire de cette région.
The multidisciplinary artist Smaïl Kanouté (France/Mali) was the first non-African American to be inducted as a “Chief Scout” into the legendary “Yellow Pocahontas Hunters Tribe” community of New Orleans (2023) and continues to research the Black Native American culture. The culture was born 150 years ago from the encounter between Native Americans and African slaves and was for a time banned from Mardi Gras parades in New Orleans. The culture has been fighting to survive ever since.
Through music and choreography, Smaïl Kanouté delves in his performances into the culture’s rites and songs, the costume ceremony, the Cajun language of Louisiana, and the entire Creole identity. He has invited the creator of sound universes Ibaaku (Senegal) to collaborate for two performances at LOFT DAKAR, mixing the heritage of Black Native Americans with African traditions, inspired by the traditional masks of Casamance and the sounds of Ibaaku, who is from that region.
À partir du 11 Novembre 2024, Loman Art House présente « L’écho de l’héritage », une exposition collective qui explore les résonances entre passé et présent, tradition et modernité. À travers les œuvres de Manel Ndoye, Théophany Adoh, Frans Hermon Coetzee, Jaratullah Mariame et Loman Pawlitschek, l’exposition tisse un dialogue sur les enjeux contemporains du continent africain en s’appuyant sur sa richesse culturelle.
« L’écho de l’héritage » interroge la transformation des récits culturels et des savoirs ancestraux face aux bouleversements actuels. Elle propose ainsi un parcours immersif où l’héritage devient source de questionnement et de résilience, en écho aux défis sociaux et environnementaux du présent.
Loman Art House is presenting the exhibition « The Echo of Heritage » from November 11, 2024, a group exhibition that explores the resonances between past and present, tradition and modernity. Through the works of Manel Ndoye, Théophany Adoh, Frans Hermon Coetzee, Jaratullah Mariame and Loman Pawlitschek, the exhibition weaves a dialogue on the contemporary issues of the African continent by drawing on its cultural wealth.
« The Echo of Heritage » questions the transformation of cultural narratives and ancestral knowledge in the face of current upheavals. It offers an immersive journey where heritage becomes a source of questioning and resilience, echoing the social and environmental challenges of the present.
Le titre fait référence à l’affirmation de Merleau-Ponty d’un temps interprétable : « Le passé est un ancien avenir et un présent récent, le présent un passé prochain et un avenir récent, l’avenir enfin un présent et même un passé à venir ».
Quatre artistes partagent une perception qui dépasse la dichotomie entre passé et présent, cherchant des formules pour le futur. Ils sont tous conscients que, dans une époque hyper-technologique comme la nôtre -où l’image est banalisée et destituée de fondements communicatifs- l’artiste est appelé à donner de nouvelles formes et significations pour restaurer cette communication. Avec différentes origines, âges, histoires, chacun des quatre intègre dans son travail des éléments qui sont apparemment opposés, comme tradition et innovation, technologie et manualité, local et global. Ils revendiquent une perception active de la part des observateurs, et les forcent à participer à leur réflexion.
Sous le commissariat de Alessandro Romanini et Mauro Petroni
The title refers to Merleau-Ponty’s assertion that time is interpretable: “The past is a former future and a recent present, the present an impending past and a recent future, the future a present and even a past to come”.
Four artists share a perception that goes beyond the dichotomy between past and present, seeking formulas for the future. They are all aware that, in a hyper-technological era like ours, where image is trivialized and deprived of communicative foundations, the artist is required to deliver new forms and meanings to restore communication. With different origins, ages, and histories, the four artists integrate seemingly opposing elements in their work, such as tradition and innovation, technology and manual skills, the local and the international. They demand the observer’s active perception and force them to participate in their common reflection.
Curated by Alessandro Romanini and Mauro Petroni
L’exposition « Dialogues Sculptés, Couleurs Éternelles » vous propose un dialogue artistique inédit entre Seyni Awa Camara et Gabrielle Sissoko, deux créatrices reliées par la Casamance, terre natale de Seyni et région d’adoption de Gabrielle. À travers cette rencontre, la terre et l’éther s’entrelacent pour offrir une vision complémentaire de la nature. Les sculptures monumentales de Seyni, enracinées dans des mythes ancestraux, incarnent la force brute et protectrice de la terre, tandis que les peintures vibrantes de Gabrielle célèbrent la fluidité et la légèreté des éléments naturels. Cette exposition immersive invite le visiteur à un voyage sensoriel, à la fois poétique et réflexif, au cœur de la relation entre l’humanité et l’environnement. Une ode à la résilience et au cycle de la vie, une expérience qui réconcilie ancrage et légèreté, art et nature.
The “Sculpted Dialogues, Eternal Colors” exhibition offers an unprecedented artistic dialogue between Seyni Awa Camara and Gabrielle Sissoko, two creators connected by Casamance, Seyni’s native land and Gabrielle’s adopted land. Throughout this encounter, earth and ether intertwine and offer a complementary vision of nature. Seyni’s monumental sculptures, rooted in ancestral myths, embody the raw and protective force of the earth, while Gabrielle’s vibrant paintings celebrate the fluidity and lightness of natural elements. This immersive exhibition invites the public to a sensory journey, both poetic and reflective, that explores the heart of the relationship between humanity and the environment. It is an ode to resilience and the cycle of life, an experience that reconciles anchoring and delicacy, art and nature.
Demba Sow, Creative Exhibition Producer, @dembus
Mutikkappatata aborde la réalité des héritages multiples : avec des fragments d’intime et d’histoires personnelles, Nathalie Vairac recompose la route de notre identité collective. Elle passe par le rêve et la symbolique de ses archétypes pour revenir à cette partie de la nuit qui nous enseigne. Avec ce projet, l’artiste entame un long voyage qui questionne l’immatérialité de la transmission à travers l’histoire d’une petite fille née à Bordeaux, de mère indienne et de père guadeloupéen.
Elle interroge la manière dont les mémoires visibles et invisibles ont traversé le temps et les océans et ont réussi à transcender les violences pour transmettre le souffle de vie, d’âme à âme. La pratique de Nathalie Vairac creuse les territoires de l’inachevé et les endroits de l’humanité qui peuvent être re fécondés. Elle questionne les manières de léguer autrement et la possibilité de s’appuyer sur les cicatrices pour aller chercher la vie.
Mutikkappatâta delves into the reality of multiple heritages: with fragments of intimacy and personal stories, Nathalie Vairac reconstructs the path of our collective identity. She uses dreams and the symbolism of their archetypes to return to that part of the night that educates us. With this project, the artist embarks on a long journey that questions the immateriality of transmission through the story of a little girl born in Bordeaux to an Indian mother and a Guadeloupean father.
She questions the way in which visible and invisible memories have crossed time and oceans, transcending violence to transmit the breath of life from soul to soul. Nathalie Vairac’s practice explores the territories of the unfinished and the places where humanity can be re-imagined. She questions other ways of bearing a heritage, and the possibility of using scars as a source of new life.
Esù est l’une des entités les plus énigmatiques de la cosmogonie des religions d’Afrique de l’Ouest. Il a traversé l’océan avec les esclaves pour débarquer dans un nouveau monde, où le travail forcé et les missions d’évangélisation vont configurer une transformation qui brouillera la compréhension des religions d’origine africaine jusqu’aujourd’hui.
Minuit à la croisée des chemins documente et enregistre ces transformations et adaptations depuis son origine au Bénin jusqu’à Cuba, au Brésil et à Haïti. Afin de jeter un peu de lumière sur le récit obscur qui prédomine dans la culture populaire et qui relie directement les religions d’origine africaine telles que l’Umbanda, la Santeria ou le Vaudou, aux énergies diaboliques, Cristina De Middel et Bruno Morais ont passé 3 ans à suivre le chemin d’Esù et à construire un document qui vient en réaction à l’avancée des églises évangéliques à travers l’Afrique et l’Amérique du Sud, remettant en question la survie d’un patrimoine culturel menacé qui apporte une contribution substantielle à la version non officielle de l’histoire, dont on a tant besoin.
Esù is one of the most enigmatic entities in the cosmogony of West African religions. He crosses the ocean on a slave ship and disembarks in the new world, where forced labor and evangelization missions shape the transformation that confuses the understanding of religions of African origin until today.
“Midnight at the Crossroads” documents and records these transformations and adaptations from the start of his travels from Benin to Cuba, Brazil, and Haiti. To shed some light on the dark narrative that prevails in popular culture and that directly links religions of African origin such as Umbanda, Santeria or Voodoo, to diabolical energies, Cristina De Middel and Bruno Morais spent 3 years tracking Esù’s journey and creating a document in direct reaction to the progress of evangelical churches across Africa and South America. It questions the survival of a threatened cultural heritage and substantially contributes to history’s unofficial version, something we are so much in need of.
La Galerie Kemboury, en collaboration avec le Groupe Atépa, organisent deux expositions dans la célèbre Pyramide du Cabinet d’architecture Atépa. « Vibrations capverdiennes » réunit cinq artistes capverdiens qui jettent leurs amarres sur le continent avec style et talent. Également, la Biennale de Dakar lance la commémoration des 50 ans du cabinet Atépa avec une exposition sur l’innovation architecturale africaine.
Kemboury Gallery, in collaboration with the Atépa Group, are organizing two exhibitions in the famous Pyramid of the Atépa architectural firm.
« Cape Verdean Vibrations » brings together five Cape Verdean artists who have dropped anchor on the continent with style and talent. Dakar Biennale is also commemorating Atépa’s 50th anniversary with an exhibition on African architectural innovation.
